Nomade Mind: Arte

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lunes, 30 de mayo de 2022

El nacimiento de una estirpe

Cada historia carga en su seno un misterio. En el caso de algunos de los personajes más icónicos de la cultura universal, este misterio es su origen. Sus creadores han jugado con el motivo de la aparición de sus poderes, con el evento atípico que les concedió la carga y la responsabilidad de luchar por el bien.

Muchos superhéroes son seres atormentados que no recuerdan como llegaron a convertirse en lo que son, como Lobezno. Otros son producto de accidentes científicos como Hulk o Los 4 Fantásticos y algunos son seres llegados de otras galaxias, como Superman.

La raza de los superhéroes es una creación norteamericana que nació por los años 20. Incluso el término superhéroe está legalmente registrado en Estados Unidos. Su gran auge surgió en 1938, cuando Superman abrió en camino para el resto de su estirpe, dentro de los cómics. A partir de entonces, uno a uno fueron emergiendo, siempre con el ideal común de ayudar al mundo, luchando por el bien.

Los primeros fueron Superman, Batman, La Antorcha Humana, Flash y algunos otros, pero la verdadera

edad de oro para los superhéroes llegó en los años 60 con la aparición de Los 4 Fantásticos, Hulk y Spiderman. Un poco antes, tras la Segunda Guerra Mundial, el éxito de las historietas de superhéroes había disminuido y fueron sustituidas por otros géneros, como historietas infantiles, románticas o westerns.

Durante aquella época algunos psicólogos afirmaban que los superhéroes producían una distorsión de la realidad. El psiquiatra Fredic Wertham afirmaba, que las historias de superhéroes eran un ejemplo de violencia y por tanto desencadenaban conductas agresivas en los jóvenes.

En 1961, Marvel Comics decidió crear su propio grupo de superhéroes. El encargo recayó sobre Stan Lee, quien trabajó con varios dibujantes para dar vida a íconos como los X- Men y Thor. Las historietas no solo representaban las angustias personales de sus protagonistas, sino que pronto comenzaron a reflejar la actualidad que se vivía en sus naciones de origen.

En 1977 la revista británica "2000 AD" revitaliza las historias de superhéroes, con obras como "Watchmen"(1986) o trabajos como "The Dark Knight Returns", que otorgaron un ambiente más adulto para las historietas de superhéroes. Muchos eventos de aquellos años fueron la antesala para el mundo comic que conocemos hoy. Los superhéroes, sus historias y su lucha constante contra el mal, y muchas veces contra su mismo origen han traído esperanza y fuerza a los que han crecido alimentándose de ellas.

Los superhéroes, lejos de representar la violencia, como se podría pensar, dan vida a la esperanza. Son la en encarnación del triunfo absoluto del bien contra el mal y la muestra que la imperfección, la tristeza o el miedo puede vivir, hasta en el más valiente de nosotros. Con o sin poderes.

viernes, 27 de mayo de 2022

De viñetas y bocadillos

Posted by Snow1801 on mayo 27, 2022 in Arte, Cómics, Historia, Historietas, Inicio,

Muchos lo llaman historieta, en otras partes del mundo le dicen Tebeo, pero estos son puramente sinónimos del nombre que une latitudes y culturas: cómic.

Algunos expertos afirman que su origen se remonta a miles de años. Desde que el primer ser humano

dibujó en las paredes de una cueva. Nació entonces una nueva forma de comunicación, que con el paso del tiempo y el crecimiento de la humanidad también se fue modificando.

El cazador que hace 14 000 años dibujaba la secuencia de su caza, en la paredes de la cueva, fue solo el primero de una larga estirpe. Sin embargo las pinturas egipcias, las vasijas griegas, los frescos romanos, las pinturas eclesiásticas y los manuscritos medievales que relatan la vida de Jesús, no son considerados historietas. Solo en la sátira social y política se marcan los antecedentes reconocibles del cómic.

El nacimiento:

Se considera a Thomas Rowlandson el inventor de la historieta. En el año 1809, Rowlandson publica "Los viajes del doctor Syntax", lo que se convertiría en el primer cómic o aventura seriada de la historia. Es en esa misma época hacen su aparición también los bocadillos parlantes.

La primera novela gráfica no tardó en llegar. Inspirado en Rowlandson e instigado por Goethe, el suizo Rudolph Topfer la publicó en 1837. Se llamó " Las aventuras de Obadiah Oldbuck". Era un libro de cuarenta páginas, con varios dibujos y los textos al pie.

Años más tarde, en 1859 el poeta alemán Wilhelm Bush, publica las primeras caricaturas en un periódico y en 1867 aparece Ally Sloper, el primer personaje de historieta inglés, creado por Charles Ross. Sin embargo el primer cómic moderno publicado en el mundo fue "The yellow kid", que salió a la luz el 16 de febrero de 1896, en el diario "The World" de Nueva York.

Es considerado así, puesto que fue entonces cuando se empezó a usar la expresión "cómic" para definir la historieta en sí, aunque de manera popular. El 12 de diciembre de 1897, el alemán Rudolph Dirks publica en un periódico estadounidense la que se considera la primera historieta en forma de tira cómica: "The Katzenjammer kids".

Los franceses publicaron su primera historieta en 1889 y los ingleses idearon en 1890, la primera revista cómic de su país, llamada "Cómic cuts".

La evolución:

Durante la última década del siglo XIX muchos periódicos norteamericanos publicaban historietas de

media o una página, pero pocas tenían continuidad. "Mutt and Jeff", de Bud Fisher, cuya publicación inició el 15 de noviembre de 1907, fue la primera tira cómica publicada a diario con éxito. Tanta fue su relevancia que apareció sistemáticamente en los periódicos hasta 1982.

En 1910 aparece la revista "The funnies", formada únicamente por tiras cómicas, y de la que nace, en 1933 el primer libro de cómic: "Funnies on Parade". La revista, antes de producción mensual, pasó a publicarse quincenalmente, con historietas como Dick Tracy y Popeye, que nació en 1929.

En Europa la evolución del cómic seguía su propio camino. En 1908 se editaron en Italia las primeras tiras cómicas y en Francia aparecen loas aventuras de Pieds Nickeles, en el diario "Le Journal". En España la historieta se inicia en 1904, en Cataluña, pero la primera revista cómic no se publica hasta 1917, con el TBO, de donde surge el caluroso sustantivo "tebeo", para identificar a los comics.

El resto son fechas destacadas, donde surgen algunos de los personajes más conocidos de estas historias.

En 1926 aparece Winnie the Pooh, en 1929, TinTín y Tarzán. En 1930, nace Mickey Mouse y en 1938 Superman, pero los superhéroes los dejo para otra historia. 🤭😉

sábado, 26 de febrero de 2022

El romance del mar y la escultura

Posted by Snow1801 on febrero 26, 2022 in Amor, Arte, esculttura, Mar, oceano, respeto, vida,

El mar, en su poderío indomable, devoraba ávido todos los naufragios que sucumbían e sus fauces, indefensos, digeridos poco a poco en su estómago de sal. La escultura, desde que el primer hombre talló la piedra por allá por los albores del tiempo, estuvo vagando por el mundo, llenando las mentes de los artistas, escapando a través de sus manos, convirtiéndose en las formas más iluminadas, que arrancaban suspiros a todo aquel que posara sus ojos sobre ellas. Ambos eran poderosos e inspiradores, pero estaban solos, ignorantes de la perfección que podían traer a la vida. Así fue hasta que nació Jason de Caires Taylor.

Vino a la vida en 1974 en el Reino Unido, creció amando el arte y al mar, practicaba el submarinismo desde los 18 años y fue graduado de Camberwell College Art, London Institute, a los 24, especializado en escultura y cerámica. Obsesionado con el azul envolvente de las profundidades, encontró, lo que tantos han fallado en hallar, una forma de manifestar el arte y ayudar al ambiente a la vez.

En 2006 realizó su primera escultura submarina, la llamó " La evolución silenciosa", cambiando para

siempre el concepto de arte y amor por la naturaleza y el ambiente. Desde entonces Caines es conocido por crear impresionantes instalaciones en el fondo marino, que además de quitarle el aliento a todo el que tiene la suerte de observarlas benefician a la vida submarina.

Las esculturas del artista no solo transportan actividades cotidianas altamente terrestres, a entornos marítimos, si no que lejos de contaminar o destruir el ambiente marino, crean espacios paras los colares y la fauna del océano, beneficiando altamente el ecosistema del poderoso océano que tan afectado se ha visto por el paso destructor de los humanos y su estela de contaminación, irrespetuosa y letal.

Los corales crecen en los rostros de las obras de Caines, los peces nadan entre sus instalaciones impresionantes y la vida marina se fusiona con la escultura, concibiendo una de las manifestaciones artísticas más hermosas. Un arte que une la belleza con el respeto y el amor hacia todos los habitantes del océano, tratándolo como el respeto y la pulcridad que se merece, como si fuese un museo.

Los jardines submarinos creados por Caines, han revolucionado el arte e iniciado una ola de conciencia que alcanza a muchos. Los corales albergan la mayor biodiversidad de todos los ecosistemas del mundo, y debido a su proximidad a la costa, el aumento de la temperatura de los océanos y el cambio de sus características químicas, se han convertido en el ecosistema más amenazado de la Tierra.

Caines y sus esculturas, llegaron para cambiar eso, sumergiendo en el mar sus inertes humanos de hormigón, para que este lentamente los traiga a la vida, en un espectáculo sublime de peces y corales que le infunde vida a la muerte.

lunes, 3 de enero de 2022

Un número para la belleza

Posted by Snow1801 on enero 03, 2022 in Arte, Belleza, Divino, Historia, Humanos, Naturaleza, Números, Rostro,

La belleza es un concepto altamente relativo, pues dependiendo del ojo de quien la mire, la cultura la sociedad y la época podemos encontrarla o no en determinados objetos e incluso en el rostro de las personas. Aunque cada quien a lo largo de su vida con sus propios criterios conforma su concepto de belleza existen una serie de medidas muy antiguas que sientan las bases de la hermosura, determinando claramente que es bello y que no. Estas condiciones se conocen como número de oro o número phi.

Llamada también proporción áurea, espiral dorada o divina proporción esta supuesta armonía facial perfecta que determina el canon de belleza y el grado de atractivo de las personas se representa con la letra griega phi (fi en español) y es un número( 1,61803...), con infinitos decimales.

Los primeros estudios formales del número aúreo se atribuyen al filosofo Euclides(c. 300-265 a.C.), que en su libro "Los elementos" muestra que se trata de un número irracional, mientras que otras investigaciones se le atribuyen al propio Platón (c. 428-347 a. C). Más tarde, en 1509, el teólogo y matemático Luca Paciolo (c. 1445- 1517) señaló en su " De divina proportione" ( "Sobre la divina proporción); la conexión del número con la divinidad, alegando que estaba definido por tres segmentos de recta como la Divina Trinidad y que era inabarcable en su totalidad como el mismísmo Dios.

Motivado por esta idea el artista Alberto Durero (1471-1528), diseñó en 1525 la espiral áurea, que

luego pasó a ser llamada la "espiral de Durero", donde describía como trazar con regla y compás una espiral basada en esta divina proporción. La proporción continuó apareciendo en obras de Johanes Kepler y Martin Ohm, siendo este último quien acuñó el término "sección áurea" en 1835, representándolo desde entonces con la letra griega tau, hasta que en 1900 el matemático Mark Barr lo sustituyó por phi en homenaje al escultor griego Fidias, quien consiguió lo rasgos más simétricos en sus obras.

La regla establece que un rosto bello es aproximadamente una vez y media más largo que ancho y la proporción de un cuerpo ideal se obtendría multiplicando por 1,618 la distancia que separa el ombligo del suelo. Así los rostros femeninos deben ser simétricos, el cabello castaño, los ojos marrones con forma de almendra , la línea de la mandíbula poco marcada, la barbilla de exactamente 0,21 de longitud y la nariz delgada y pequeña de 0,37 unidades de largo. Las medidas masculinas requieren pelo castaño, rostro ovalado, con forma de corazón, ojos también ovalados, de color azul, mandíbula lineal y nariz delgada y recta. En la naturaleza se presenta en la espiral de las conchas de los nautilos, la disposición de los pétalos de muchas flores, las espirales de la corteza de una piña y la disposición de las hojas de las alcachofas

Los estudiosos creían que mientras más se aproximara una obra a esta sección, más próxima estaría a la belleza divina y aunque no hay evidencia científica de ello es fácil encontrarla en numerosas obras de arte como:

En la relación entre las formas de la Gran Pirámide de Giza.
La relación entre las partes del Partenón de Atenas.
Las estructuras formales de las sonatas de Mozart.
La quinta sinfonía de Beethoven
El cuadro Leda atómica" de Salvador Dalí.

La espiral divina indica las proporciones ideales para el rostro perfecto, estableciendo un canon de belleza sacra, difícilmente alcanzable e infinitamente inferior a la belleza natural de los rostros humanos, que tantas veces dejan sin aliento con sus facciones deslumbrantes, sin saber de medidas o proporciones.

lunes, 29 de noviembre de 2021

En la sonrisa de un payaso

Posted by Snow1801 on noviembre 29, 2021 in Arte, Historia, Horror, Miedo, Payasos,

Pintorescos, coloridos, torpes y bulliciosos, los payasos llevan más de 4000 años siendo sinónimo para muchos de alegría y regocijo, arrebatando sonoras carcajadas a niños y adultos por igual con sus ocurrencias juglarescas.

Los payasos aparecieron por primera vez en Egipto, en el año 2500 a.C., incluso algunos jeroglíficos ilustran la función del bufón que divierte y entretiene a su faraón. Los payasos continuaron apareciendo a los largo de los años en diferentes civilizaciones, donde fueron considerados incluso héroes, como en China, que mediante pequeños chistes un bufón llamado Yu Sze, hizo desistir al abusivo emperador Shih Huang- Ti, quien ordenó la construcción de la gran muralla china; de que obligase a sus sirvientes a pintarla una ve construidas, salvando muchísimas vidas.

Los primeros indicios del payaso con la cara pintada completamente de blanco, se remontan a las obras de teatro del la Inglaterra de siglo XVI y fue el mismísimo William Shakespeare quien utilizó por primera vez la palabra "clown", para referirse a los personajes torpes y graciosos que aparecían en sus obras. Cuando el circo fue creado en 1768, uno de los actos principales era de un payaso que se intentaba con extrema torpeza montar en un caballo. La figura de los payasos continúo avanzando junto a la humanidad y produciendo grandes artistas como Bozo o Ronald McDonald.

Sin embargo, no todos favorecen a los payasos, ni sus actuaciones, disfraces o maquillajes les trasmiten alegría o ganas de sonreír. La figura de estos bufones también ha tomado su connotación negativa en el mundo cinematográfico o en grandes cuentos de terror como "IT" de Stephen King y lo cierto es que la realidad ha contribuido muchísimo a fomentar esta visión terrorífica.

Antes de Pennywise:

Pogo:

"El Payaso asesino", principal inspiración para el personaje "Pennywise", fue un asesino en serie

estadounidense, llamado John Wayne Gacy. Entre 1972 y 1978, Gacy violó y asesinó a 33 hombres jóvenes, 29 de ellos fueron enterrados en su propia casa, mientras que los restantes los lanzó a un río cercano. Gacy sufrió una infancia traumática, fue violado por su padre, sin embargo camufló su personalidad distorsionada tras el disfraz de un hombre común, miembro respetable de su comunidad, que dedicaba incontables horas a servicios sociales en desfiles y fiestas infantiles a las que asistía vestido de payaso.

Dos sobrevivientes de sus horribles crímenes relataron que los atraía bajo engaños, una vez solos los ataba, torturaba y sodomizaba estrangulándolos. Así una tras otra asesinó a sus víctimas, hasta que en 1978 la investigación por la desaparición de Robert Piest llevó las autoridades hasta él. Gacy confesó los crímenes, relatando vívidamente que cuando enterraba su cuchillo en la carne y la sangre comenzaba a brotar sentía gran excitación. Por supuesto alegó enfermedad mental como defensa, sin embargo estudios realizados en su persona lo desmintieron y fue condenado a 21 cadenas perpetuas y 12 penas de muerte. En 1994, la inyección letal acabó con su vida, sus últimas palabras fueron : " Bésenme el trasero! !Nunca sabrán dónde están los otros!

Klutzo:

Su verdadero nombre era Amon Paul Carlock Jr. y era un respetado hombre de 57 años, quien había sido Ministro de iglesia, entretenía con sus actos a miles de niños y adolescentes de la escuela dominical de Springfield, Illinois, además se dedicaba a cuidar niños. Su fachada se hizo pedazos, cuando luego de una actuación en un orfanato filipino, se hallaron fotos de niños desnudos en su cámara. La acusación no tardó en llegar, varios niños testificaron el cruel abuso sufrido a sus manos y Carlock Jr fue condenado a prisión, donde murió luego de que un guardia lo atacara con un taser como castigo por negarse a salir de su celda.

Zozzaby:

Es difícil verificar la verdadera existencia de este personaje, pues su presencia fantasmal aún aterroriza

a los niños de Liverpool. Dicen que su nombre era Frederick Zozabe, era un payaso y acróbata checo que fue muy famoso en la era eduardiana, que acabó suicidándose. Los avistamientos de un payaso con rostro grotesco, envuelto en un aura verdosa y apestando a líquido embalsamador han aterrorizado a residentes de la que fuese su casa y vecinos del lugar que afirman con horror haber escuchado su risa fantasmal.

Un payaso en la puerta:

En 1990 el timbre de Marlene Warren indicó la presencia de alguien en su puerta. Cuando la abrió encontró un colorido payaso de sonrisa estática, cargado de flores y globos, tras unos segundos la escena pasó de rara a desquiciantemente horrible. El sonriente payaso descargó su arma en el rostro de Marlene, quien cayó muerta al instante. En primeras instancias la policía señaló a su esposo como principal sospechoso, pero desestimaron la posibilidad, al no hallar nada que lo vinculara al crimen. La identidad del payaso asesino aun permanece en el misterio.

viernes, 19 de noviembre de 2021

Tinta en la sangre

Posted by Snow1801 on noviembre 19, 2021 in Arte, Culturas, Historia, Piel, Tatuajes,

Con la modernidad y el desarrollo alcanzado, nuestra época se regodea del avance del pensamiento y la lucha por la abolición de cualquier tipo de prejuicio y es la visión más normal del mundo hallar pieles tatuadas por doquier, como forma de arte y expresión o por simple amor a los tatuajes. Sin embargo, aunque pareciera a muchos que la práctica de tatuar la piel es algo relativamente moderno, no existe mayor error, el tatuaje es una costumbre milenaria, que acompaña al hombre moderno desde su surgimiento.

En 2019, en un glaciar situado en la frontera entre Italia y Austria se halló un cazador neolítico congelado de hace aproximadamente 5300 años, fue nombrado Otzi y contaba con 7 tatuajes distribuidos en la espalda y las rodillas. Más tarde un segundo hombre fue hallado en Siberia, se calcula que vivió hace unos 2500 años, y en su hombro se notaba un amplio tatuaje.

El tatuaje se registra en la cultura Egipcia desde la XI dinastía ( 2160 al 1994 a.c.). Los egipcios

empleaban los tatuajes en las sacerdotisas y el proceso constituía una demostración de valentía y madurez. Se empleaban agujas de oro y pigmentos de henna, oriundos de esta región. También se utilizaba como forma de prevención de enfermedades, peligros y protección mágica , concepto que se fue modificando entre los griegos y romanos, para quienes los tatuajes servían para denotar jerarquía o posición social.

1000 a.c. el tatuaje comenzó a viajar a través de las rutas comerciales de India, Japón y China, llegando a

las regiones asiáticas, donde se empleó como forma de marcar a los criminales. Pronto fue adoptado por los Yakuza, integrantes de la mafia japonesa como manera de expresar su valentía y lealtad a la organización. La connotación negativa se fue modificando hasta que durante el siglo XVIII se comenzó a considerar una forma de ate, sin embargo durante la apertura de Japón a occidente en 1842, fue prohibido para no dar una imagen que pudiese ser interpretada como salvajismo por el mundo occidental.

También en Norteamérica tatuarse constituía un rito simbólico que daba nacimiento a una marca única que permitía superar obstáculos en el camino hacia la muerte y los indígenas centro americanos lo usaban como una forma de tributo a sus dioses.

Sin embargo la utilización del tatuaje también como forma de castigo hizo que en el Imperio romano fuera abandonando la práctica, incluso el emperador Constantino emitió un decreto prohibiendo esta actividad, por lo que adquirió la connotación negativa por la que comenzó a formar parte de la cultura criminal, favorecida por la influencia japonesa y el nuevo hábito de piratas y corsarios que marcaban sus cuerpos en los puertos que visitaban al rededor del mundo.

La sociedad occidental dio la bienvenida al arte de tatuar la piel por unos expedicionarios ingleses, quienes bajo el mando del capitán Cooken aprendieron a realizar tatuajes en sus viajes a Polinesia. La

fama del tatuaje fue aumentando entre los marineros y la sociedad occidental también comenzó a asociarlos con marinos y delincuentes, ya que muchos de ellos eran fugitivos que se enrolaban en largas peripecias para evitar a la justicia. Permaneciendo esta opinión indisolublemente ligada al arte del tatuaje durante los años posteriores.

Durante la Guerra Civil americana, el tatoo tuvo una pequeña reivindicación, aparecieron los primeros tatuadores profesionales como C.H Fellows, se creó el primer estudio de tatuajes en 1870, en Nueva York, y en 1891 salió a la luz la primera máquina de tatuar, creada por Samuel O´Reilly. Sin embargo la cultura del tatuaje se mantuvo en pausa y la ignorancia continuo enturbiando su concepto.

Los grabados en la piel volvieron a la luz retomados por el movimiento hippie de los años 60. Hasta aquel momento los tatuajes eran mayormente en tinta negra, pero a partir de entonces comenzaron a incluir numerosos colores.

El tatuaje ha crecido mudando la piel que lo caracterizaba como una marca despectiva para criminales y piratas, y convirtiéndose en una manifestación de arte, uniendo en un gigantesco intercambio cultural imágenes y símbolos que antes solían pertenecer a culturas concretas. El tatuaje, aún mirado despectivamente por un por ciento de la población, es una manifestación artística que requiere gran talento y preparación de parte del artista que la practica y la decisión de marcar la propia piel con líneas, formas, rostros, en colores o a sombras acompañará a los que amamos este arte toda nuestra vida, envejeciendo con nosotros, mientras llevamos nuestra identidad retratada en la piel.

viernes, 5 de noviembre de 2021

El precio de la voz

Posted by Snow1801 on noviembre 05, 2021 in Arte, Barroco, Canto, Historia, Musica, Voz,

Una notación pura, una vibración maravillosa, una voz limpia y angelical que emergía en cascadas copiosas de la garganta de hombres, que desde niños dedicaban su vida a la música. Eran alabados en Europa y gozaban de la notoriedad que hoy es característica de las estrellas de rock, pero para lograr su voz tuvieron que pagar un horrible precio.

Se llamaban castrati y eran hombres que combinaban en su voz el colorido tímbrico femenino y masculino, cantaban con registro de mujer, pero no de forma natural. Para conseguir este registro tan deseado, y que tanto maravillaba al público barroco pasaban por prácticas horrorosas.

Los castrati eran niños dotados de un voz hermosa, quienes, para evitar los cambios producidos por las

hormonas masculinas durante la muda vocal, eran sometidos a una intervención llamada orquiectomía, durante la cual se les amputaban los testículos, cuando tenían entre ocho y diez años de edad. Como consecuencia aquellos niños crecían con una voz híbrida, con la potencia de un hombre pero que a la vez tenía la gran ligereza y capacidad para hacer los agudos portentosos de una garganta femenina.

La castración, como práctica aberrante era condenada por la justicia, sin embargo en estos casos, las familias ofrecían justificaciones médicas poco creíbles y las autoridades hacían la vista gorda. La formación de los castrati era muy rigurosa. El horario de una escuela de canto en Roma hacia 1700 consistía en; una hora de cantar piezas difíciles e incómodas, una hora practicando trinos, una hora en ejercicio adornado passagi, una hora de ejercicios de canto en presencia de su maestro y delante de una espejo, para evitar movimientos innecesarios o muecas faciales al cantar y una hora de estudio literario, todo ello antes del almuerzo. Se estima que durante el apogeo de estas voces de 1720 a 1730 más de 4000 niños fueron castrados cada año con la intención de producir estas voces angelicales. Muchos provenían de hogares humildes y eran castrados por sus padres, con la esperanza de que su hijo alcanzara la fama y pudiera sacarlos de la pobreza.

Los castrati florecieron en los escenarios europeos, llegando a cobrar grandes sumas de dinero y

Farinelli, el castrato más famoso de la historia

gozando de gran fama. Ganando el favor y la devoción de reyes y miembros de las altas sociedades. Pero en el siglo XIX, con la incorporación de las voces femeninas a la escena operística, el empleo de tenores para los papeles masculinos y el cambio en las actitudes sociales, que ahora prohibían la castración con fines musicales, los castrati fueron eliminados de los escenarios, pasando a formar parte de coros eclesiásticos. En 1878 el papa León XII prohibió la contratación de nuevos castrati por parte de la iglesia, a excepción de la Capilla Sixtina y algunas basílicas papales en Roma. En 1902 una nueva sentencia estableció que ningún castrato más sería admitido y el 22 de noviembre de 1903 llegó oficialmente el final de esta estirpe de cantantes cuando el nuevo papa Pio X emitió un motu proprio, en el que establecía el uso de niños cantores en los papeles que desempeñaban los castrati.

Alessandro Moreschi

El último castrato sixtino fue Alessandro Moreschi, retirado en marzo de 1913 y fallecido en 1922, es el único que pudo realizar grabaciones en solitario y por ende el único castrati del que se conserva un registro musical. Si gustan deleitarse con la divina voz del último castrato aquí pueden escucharla.

Finalmente los castrati fueron niños, dotados de un gran talento musical, quienes mediante el arduo estudio alcanzaban la perfección en su oficio, pasando antes por una horrorosa intervención, de la cual, siendo aún niños, es improbable que conocieran las consecuencias. Tristemente fueron niños que pagaron un alto precio por conservar su voz con tonalidad infantil.

miércoles, 13 de octubre de 2021

Los guardianes del Museo

Posted by Snow1801 on octubre 13, 2021 in Arte, Curiosidades, Gatos, Historia, Museos,

El museo Hermitage, ubicado en San Petersburgo es una institución de 90 mil metros cuadrados que supuran arte y talento. Posee 350 salas vigiladas férreamente por 300 guardias que con ojos de halcón resguardan las 65 mil piezas expuestas al público, número que equivale solamente al 5% de la colección total que alberga el centenario museo creado en 1764. El museo ruso es una de las mayores instituciones del mundo y ocupa un complejo conformado por seis edificios, entre ellos el famosísimo Palacio de Invierno donde residían los antiguos zares, pero el Hermitage no es solo ofrece refugio y cuidados a sus cuadros y antigüedades, sino que también es el hogar de alrededor de 70 gatos.

La tradición de albergar amigos peludos se remonta al año 1737 cuando Pedro el Grande trajo los primeros felinos desde Holanda para hacer frente a los roedores del Palacio de Invierno original. Su hija, Isabel I, regente desde 1741 hasta 1761, continuó con la tradición e importó gatos desde una ciudad a 800 km de Moscú, llamada Kazán, puesto que los felinos de aquel sitio poseían fama de ser los mejores cazadores. En el decreto emitido en 1745 Isabel I especificaba: "...los mejores gatos, los más grandes, capaces de cazar ratones, y acompañados de un persona que cuidará de su bienestar."

En 1762 comenzó el reinado de Catalina la Grande, quien nombró a los gatos del Hermitage " guardas de las galerías de arte" y su cuidado y protección fue encargado al estado. Tiempo más tarde, durante el asedio de Leningrado (1941-1944), que se extendió por 900 días, los felinos sucumbieron, víctimas del hambre, las enfermedades y los horribles estragos de la guerra. Sin embargo la leyenda cuenta que al terminar la contienda un tren especial recorrió Rusia en busca de los gatos adecuados para custodiar el museo y así regresaron al Hermitage los peludos cazadores.

La tradición ha sobrevivido hasta nuestro días y actualmente los gatos viven en los sótanos del museo y

mantienen a raya a cualquier ratón que se atreva a asomar sus bigotes por allí. Los sótanos han sido debidamente adecuados para ellos y poseen múltiples gateras que les permiten salir al exterior, son vacunados y esterilizados por veterinarios que velan por su salud y poseen tres personas dedicadas a cuidar de ellos diariamente, alimentándolos y peinándolos.

Sin embargo ni el Ayuntamiento ni el Estado se hacen cargo de los gastos generados por los felinos, que recaen en la generosidad de los empleados del museo, los visitantes y algunos benefactores extranjeros que destinan fondos para su cuidado. Cada año el museo celebra el Día del Gato del Hermitage, jornada en que los visitantes pueden ver a los felinos, interactuar con ellos, participar en acciones gatunas lúdicas y dejar algún donativo si lo desean. Recientemente los guardianes del museo fueron incluidos en la herencia de un generoso mecenas francés, quien destinó una considerable suma de su legado para la manutención de los bellos gatitos que guardan el museo más grande de Rusia.

martes, 12 de octubre de 2021

La mujer que hizo a Van Gogh

Posted by Snow1801 on octubre 12, 2021 in Arte, Historia, Mujeres, MujeresPoderosas, Pintura,

Vincent Van Gogh, un artista atormentado, cuyos cuadros son mundialmente famosos, han sido vendidos por millones de dólares, y su nombre está tatuado entre los más relevantes de la historia de arte, sin embargo a pesar de su innegable talento y visión única del mundo, la historia de sus obras y la relevancia que lo llevaron a convertirse en una de los íconos del arte universal hubiese sido otra de no ser por una misteriosa mano femenina, cuya labor es mayormente desconocida.

Johanna Van Gogh Bonger nació en Ámsterdam en 1862, fue la quina de siete hermanos, educados por sus padres en el valor de saber pasar desapercibidos, y bendecidos con una gran educación. Johanna viajó y al concluir sus estudios hablaba fluidamente tres idiomas, se convirtió en traductora y profesora de inglés.

En 1885 conoció a Theo Van Gogh quien no tardó en profesarle su amor y luego de tres citas le propuso matrimonio, reacia a decisiones impulsivas rechazó a joven Theo, quien continuó insistiendo, hasta que poco más de un año más tarde consiguió el esperado "Sí". En aquel entonces Theo se ganaba la vida como marchante de arte, intentado promocionar y vender los cuadros de jóvenes artistas que desafiaban el color y las formas, entre ellos su hermano Vincent, esté fue el primer contacto de la joven con el mundo del arte, desbordado de exotismo y creatividad que la cautivaron inmediatamente.

La casa donde vivía con su esposo estaba siempre repleta de Van Gonghs debido a los períodos de creación frenética del talentoso artista, y a que Theo había sido capaz de vender solo una ínfima parte de sus obras. La desaparición física de Vincent tuvo un gran impacto en su hermano, quien pocos meses más tarde sufrió un colapso mental, achacado a los secuelas de una sífilis contraída hacía tiempo, finalmente Theo murió a principios de 1891, dejando a Johanna viuda con un bebé a su cargo y sin más herencia que un piso en París, un gran número de obras de su cuñado y mayor cantidad aún de cartas fraternales que Theo había atesorado con el mismo cariño con que trataba a Vincent. Sin más opción para ganarse la vida, la joven decide regresar a su país natal y abrir una casa de huéspedes con la esperanza de que pudiese generarle algunos ingresos.

Tras un año de arduo trabajo logró poner la casa en funcionamiento, con los cuadros de Van Gogh adornando sus paredes, el poco tiempo libre que le dejaban sus ocupaciones lo destinaba a la crianza de su pequeño y a leer toda aquella correspondencia entre los hermanos Van Gogh. Precisamente entre estas líneas Johanna adquirió verdadero entendimiento de la mente del artista, en sus descripciones precisas vio al genio torturado por los vaivenes de una mente inestable y decidió emprender un proyecto como continuación de la obra de su esposo y último homenaje hacia él: otorgarle a la obra de Vincent el merecido reconocimiento que le había sido negado por tanto tiempo.

Se autoimpartió un curso acelerado de crítica y marchante de arte leyendo publicaciones de arte moderno, títulos de George Moore e inspirándose en la escritora Mary Ann Evans. Desempolvó algunos viejos contactos en París, a los que acercó la obra de su cuñado, al principio la reacción fue la misma que cuando Van Gogh vivía pero Johanna persistió, insistiendo en que las cartas donde el artista describía sus líneas y colores debían ser consideradas como parte esencial del proceso creativo, así consiguió la primera exposición en solitario de Vincent Van Gogh en 1892 y poco a poco diversas galerías fueron tomando interés en sus obras.

Johanna no actuó meramente en una función de agente, vacía o avariciosa, ella trazó y llevó a cabo

metódicamente una estrategia brillante para que los cuadros fuesen adquiriendo valor, sin traicionar la voluntad del Vincent, quien en varias ocasiones había verbalizado que soñaba con hacer un arte popular. Todas las obras eran prestadas para las muestras y a pesar de la presión de los galeritas, nunca los ponía todos a la venta, propiciando así que algunos acabaran en grandes museos donde podían ser admirados por el público general. También acostumbraba a colocar cuadros menores junto a obras más consolidadas para que así atraer la atención hacia ellas.

El trabajo de Johanna con la obra de Van Gogh tuvo gran repercusión en Europa, pues supo transmitir la esencia del artista, captando el interés de grandes fortunas e importantísimos museos. Además su obsesión con las cartas de los hermanos, que la llevó a publicarlas en versión original en 1914, mostrando al mundo la visión de la mente incomprendida del pintr. Una de las últimas misiones que emprendió en vida fue que la obra de su cuñado llegara al público estadounidense, para lo que se marcó el objetivo de traducir la correspondencia, tarea que se vería interrumpida por su muerte en 1925 y que no fue completada hasta dos años más tarde.

Su legado para el mundo y la historia del arte, aunque a menudo olvidado, es invaluable, pues fue ella quien supo verdaderamente el valor de la obra de Van Gogh y convenció al mundo para que le prestara la atención merecida. Fue su cuidadosa labor de profundizar en un patrimonio sin valor alguno y otorgarle la relevancia de la que goza hoy en el mundo entero, a ella debemos obras magistrales que cuelgan en los museos y un trozo imprescindible de la historia del arte que Johanna Van Gogh-Bonger devolvió a la humanidad que antes lo había rechazado.

Nomade Mind