En el reino de lo invisible y las guitarras de aire

En el reino de lo invisible y las guitarras de aire

Posted by Snow1801 on abril 07, 2022 in Aire, Campeonato, Festivales, Guitarra, Imaginación, Inventiva, Mundo, Música, Rock,

     La pantomima musical por excelencia, tocar la "guitarra de aire" es una forma de danza y movimiento, que se caracteriza por la imitación de la ejecución de una guitarra de rock o heavy metal. Sí, sé que suena a locura, juego de niños, o lo que muchos hacemos con el palo de escoba cuando estamos limpiando y en la canción rompe un solo sublime. Pero no, estoy hablando muy en serio.

 La simulación original ocurrió en la década de 1860, en aquel entonces estos arranques de los "guitarristas de aire", eran considerados una enfermedad mental. Con la invención del fonógrafo en la década del 1930, el fenómeno encontró nuevas aplicaciones, llevando a sus intérpretes a pretender dirigir la orquesta que escuchaban. 

Pero luego llegó el festival de música e Woodstock, en 1969, y allí el cantante Joe Crocker, pretendió tocar el teclado y la guitarra mientras interpretaba "With a little help from my friends", sus exagerados movimientos y la atmósfera del escenario llenaron los ojos del público, trayendo en escena nuevamente a la guitarra de aire. 

El término continuó ganando fanáticos, hasta que en la década de los 80 hubo un gran frenesí alrededor de las guitarras y los guitarristas de aire, que desembocó en la celebración del primer concurso de  guitarra de aire, en la Universidad Estatal de Florida en 1978. 

 Usualmente es una simulación de guitarra eléctrica o acústica, que consiste en movimientos exagerados de rasgueo y punteo, combinados a veces con cantos fuertes o sincronización de labios . El de Florida fue solo el primero se produjeron muchos más concursos en Suecia y Estados Unidos desde 1980 hasta 1996. Actualmente existe un Campeonato Mundial de Guitarra de Aire, que forma una parte importante del Festival de Video Musical de Oulu en Finlandia, que a su vez administra la Red de Campeonatos del Mundo de Air Guitar. Originalmente la ideal fue concebida como una broma, una atracción secundaria para el festival de videos musicales, pero desde el primer Festival en 1996 se ha convertido en un enorme atractivo por derecho propio. 

Concursos:

 Los certámenes tienen grandes semejanzas con el sistema de puntuación usado en el patinaje artístico,

las reglas son las siguientes: 

• Cada participante debe tocar la guitarra de aire en el escenario en dos rondas de un minuto cada una., en la primera interpreta una canción de su elección, en la segunda una escogida por los jueces y de la que no tendrá previo conocimiento. 
• El participante toca solo, no son permitidas otras personas en el escenario durante su actuación
• El participante debe tocar la guitarra de aire, puede ser acústica, eléctrica o ambas, pero otros instrumentos no están permitidos.
• No existe código de vestimenta específico.

Los campeonatos mundiales son celebrados cada agosto en Finlandia, la ideología inicial del primer evento rezaba que "las guerras terminarían y todo lo malo acabaría si todo el mundo tocara la guitarra de aire". 

Accesorios :

Las innovaciones también se abrieron su paso hacia la industria de aire, permitiendo a los guitarristas producir sonidos en dependencia a sus movimientos. En 2005  estudiantes de la Universidad Tecnológica de Helsinki desarrollaron un sistema que traduce los movimientos de las manos en sonidos de guitarra eléctrica.

 Camisetas que detectan el movimiento humano , dispositivos con púas de guitarras con censor de movimiento que permiten tocar hasta 48 tonos y acordes , simuladores de guitarras funcionales  a base de censores de calor  y hebillas de cinturón que reproducen la música a través de un amplificador portátil, son algunos de los accesorios creados para que los guitarristas de aire puedan rockear con propiedad, con todo el estilo y el glamour de una estrella de rock. 

 

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"Like a stone" y otros himnos

"Like a stone" y otros himnos

Posted by Snow1801 on marzo 09, 2022 in Historia, Leyendas, Muerte, Música, Rock,

 El culto a la música y a los grandes músicos, es una senda ya marcada en este espacio. con la esperanza de llegar a recordar a algunos melodías olvidadas o tal vez hacerles descubrir algunas desconocidas. La música es y será siempre ( a mi entender) el mejor regalo. Por lo que hoy me gustaría recordar una voz desgarradora, un músico inigualable e inolvidable, autor de melodías que llegan al alma: Chris Cornell.

 Nació como Christopher John Boyle, el 20 de julio de 1964 en Seattle. Más tarde, tras el divorcio de sus padres, adoptaría el nombre de soltera de su madre, Cornell. Creciendo fue acompañado por bandas como Lynyrd Skynyrd, The Beatles, Alice Cooper, Ac Dc y Sex Pistols. En su evolución como artista formó parte de algunas bandas, hasta que en 1984, fundó junto a tres colegas de una agrupación anterior la icónica Soundgarden, y permanecieron juntos desde 1984 hasta 1997. Luego llegó Temple of the Dog y finalmente  Audioslave. Todas las producciones discográficas de Cornell, junto a cada una de estas bandas o en su carrera en solitario, llevan el sello inconfundible de su voz y su energía única, y cada una en sí es una pequeña obra de arte, algunas de ellas son: 

 

 Rusty Cage - Soundgarden ( 1991):

  Esta es la primera canción del tercer disco de la banda, instantáneamente se convirtió en un éxito, a tal punto que Jhonny Cash realizó su propia versión del sencillo. Actualmente la canción forma parte de la banda sonora de famosos videojuegos como GTA: San Andreas o Call of Duty. El disco al que pertenece marcó la madurez sonora de Soundgarden y de acuerdo a la crítica podía compartir el título de mejor disco del año con el "Nevermind" de Nirvana o el "Ten" de Pearl Jam.

Say hello 2 Heaven - Temple of the dog (1991):

 Esta es una canción nacida del dolor de la pérdida de un entrañable amigo de Cornell, Andrew Wood, su compañero de piso. Wood murió de una sobredosis a los 24 años y a modo de despedida Cornell escribió " Say hello 2 heaven". Más de 20 años más tarde, en el 2015 ésta también fue la canción perfecta para honrar la memoria de Scott Weiland, vocalista de Stone Temple Pilots y en mayo del 2017, cobró una desgarradora relevancia con el fallecimiento del propio Cornell. 

Outshined - Soundgarden (1991)

 

   Este fue el segundo sencillo del álbum Badmotorfinger y al igual que "Rusty Cage", se convirtió en un éxito desde que salió al mercado. La poderosa canción fue la inspiración para la película Feelin Minnesota, filme dirigido por Steven Baigleman y protagonizado por Keanu Reeves y Cameron Diaz, especialmente una linea de la canción sirve como cimiento para la película, la estrofa que dice: " i´m looking California and feeling Minessota"  

 

Can´t change me - Chris Cornell ( 1999)

 Este fue el primer sencillo del debut en solitario de Cornell, con el disco "Euphoria Morning", un disco que no gozó de un gran éxito comercial, pero particularmente esta canción destacó y le valió la nominación a Cornell a "Mejor interpretación masculina de rock" en los Premios Grammy 2000. A pesar del poco éxito comercial este disco marcó el éxito musical de Chris Cornell, pues le permitió al artista seguir en su búsqueda implacable de hacer música mezclando sonidos y géneros, dando así la vida a una balada tan profunda como " Can´t change me"

 

 I am the highway - Audioslave (2002) 

Esta canción pertenece al primer trabajo discográfico de Audioslave y es una de las obras más profundas del artista, refleja en su letra y sus acordes la dolorosa etapa que atravesaba. En este momento Cornell había alcanzado su realización personal y profesional, sin embargo lidiaba con el dolor de un corazón hecho pedazos. De esta situación emergieron canciones igualmente profundas como "Shadow on the sun" y " I am the highway".

 En esta etapa marcada por la decadencia y la depresión profunda, la adicción y la desesperación aguda, Cornell intentó escapar en canciones como "I am the highway", que más tarde sería usada como título de un concierto conmemorativo realizado para él en 2019. 

 Like a stone- Audioslave ( 2002)

Esta canción, en lo personal una de mis favoritas, transmite toda la fuerza rockera de Audioslave, es una pieza maestra que destila genialidad en cada nota. En una entrevista el baterista de la banda declaró que la canción trata de un anciano que espera la muerte. Se sienta en una casa, solo, después de que todos sus amigos y familiares han fallecido. Está esperando reunirse con ellos. Habla de la soledad y el paso del tiempo. Cornell dijo que en esta canción trataba de encontrar a Dios a través de medios distintos de la forma de pensar monoteísta tradicional.

 El video fue filmado en la antigua casa de Jimi Hendrix, donde escribió " Purple Haze". En aquel momento Audioslave estaba solo ensayando, pero tenían las cámaras y simplemente filmaron el video a modo de improvisación, dando como resultado una canción y un video extremadamente especiales. Que quedaron como emotivo himno para recordar al vocalista que fue ícono de toda una generación.

  

 

 

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To Boddah:

To Boddah:

Posted by Snow1801 on febrero 13, 2022 in Historia, KurtCobain, Muerte, Música, Nirvana, Rock,

 To Boddah: 

 Así comienza la carta que yacía junto a un cuerpo sin vida, anunciando la muerte de uno de los

mayores genios del rock. Kurt Cobain, el mismo joven de profundos ojos azules y cabello dorado que junto a  Krist Novoselic y Dave Grohl transformaron el grunge, creando con Nirvana una revolución musical que sobrevive hasta nuestros días. 

  Mucho se puede decir de Cobain, de su música, de su adicción, de su infinita tristeza, de la repercusión que la depresión, los traumas infantiles y el dolor puede tener en las almas más talentosas y amables, forjado individuos únicos y excepcionales, pero infinitamente atormentados. La música de Nirvana, habla en cada nota de Cobain, en cada grito desgarrador su voz cuenta sobre su talento, tan ligado a la tristeza, pero mucho antes de ser el ídolo del grunge y de estar rodeado de miles de fans, para Cobain estaba solo Boddah. 

 La infancia del dios del grunge estuvo llena de traumas, y en un intento del pequeño Cobain de escapar de la realidad y adormecer el dolor, nació Bodah. Los adultos decían que era imaginario, pero para él era su amigo, su fiel compañero, quien lo resguardaba de la soledad y el miedo, haciendo desaparecer el silencio insoportable que tanto atormentaba al pequeño Kurt. 

Los padres del músico estaban profundamente asustados de la propensión de Kurt hacia la fantasía y especialmente con la presencia de Bodah, por lo que cuando un tío suyo se enlistó en el ejército y fue enviado a Vietnam los adultos le dijeron a Kurt que Bodah también se había ido a la guerra. Pero pese a los esfuerzos de los adultos, Bodah se quedó con Cobain, y no son pocos quienes piensan que fue quien inspiró al artista, que creó himnos como "Smell like teen spirit" o "Something in the way". 

La fama llegó para Cobain y Nirvana, convirtiéndolos en ídolos para generaciones enteras, y sus letras atormentadas han inspirado a muchos, ( quien escribe incluida), reflejando en su música la lucha de muchas almas, pero la fama y la presión que trajo consigo, sumada a la adicción a las drogas y enfermedades como la bronquitis o problemas gastrointestinales, rasgaron la frágil psiquis de Kurt y el escape que siempre le había provisto Bodah, ya no era suficiente.

 Nirvana llegaba a su fin el 5 de abril de 1994, cuando la voz de Cobain se apagó ,engullida por el disparo que desfiguró su rostro y terminó con su vida, pero nadie lo sabría hasta el viernes 8 de abril, cuando un electricista descubrió el cuerpo. 

 Tres días después del disparo, Cobain yacía en el suelo, con el rostro destrozado por el plomo, la escopeta que lo escupió descansaba en su pecho y sus brazos llenos de inyecciones. El forense dictaminó que aquel cuerpo destrozado era solo identificable mediante huellas dactilares. Las sospechas se derramaron sobre la polémica Courtney Love, pero no se halló evidencia alguna de que ella hubiese jalado el gatillo y aunque la carta suicida del músico la menciona, no estuvo dirigida a ella, ni siquiera a su hija Frances. La carta iba dirigida a Boddah. 

Bodah, quien le acompañó hasta su último aliento, reflejo de su locura y su genialidad, de un alma tan amable que sucumbió ante la frialdad de un mundo que muchas veces sentía tan vació. Boddah, quien probablemente envuelto en aquel frenesí de fama, drogas y depresión, comenzó a susurrar en su oído formas de poner fin al dolor. Tal vez fue Bodah quien apuntó la escopeta a su rostro, y quien convenció a Cobain de jalar el gatillo, dejando el mundo como un lugar más frío y aún más vacío. Aunque su música vive, narrando aún la historia de su alma atormentada y su talento desmedido.

 Nicolas Otero, autor de una novela gráfica llamada "Who killed Kurt Cobain" escribió:

" ¿Acaso fue esa tarde cuando no pudiste más y rompiste en llanto, escondiéndote de él tras una bocina?

Dime, Kurt, ¿fue Boddah?

 Él te convenció de que era lo mejor?

Él te reconfortaba cuando caía el sol, noche tras noche cuando no te quedaba nada más y tu música no te llenaba como lo hacía con millones de personas, cuando te sentías incapaz de sentir y te invadían pensamientos de locura.

No escuchaste a nadie más, Kurt. No creías que alguien más pudiera ayudarte.

¿Por qué recorriste Seattle durante días en la desesperación, buscándolo, gritándole que no te dejara, pidiéndoles perdón, cuando en realidad querías dejarlo ir?

 ¿Por qué le hiciste caso y huiste de Los Ángeles recorriendo toda la costa oeste solo para encontrarlo de nuevo? ¿Por qué no dejaste de seguirlo, Kurt?"

La depresión tiene su poder caótico en hacerte ver que estás solo, en llenarte con ese sentimiento de desconsuelo y soledad, y cuando no sentimos solos y miserables corremos a nuestro mejor amigo, eso era Boddah, su mejor amigo...

Gracias por tanto Cobain... de todo corazón espero que donde sea que Bodah te llevó hayas encontrado paz .

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Un regalo de Navidad en la voz de John Lennon

Un regalo de Navidad en la voz de John Lennon

Posted by Snow1801 on diciembre 20, 2021 in Guerra, Historia, Lennon, Música, Navidad, Paz, Rock,

  En esta época del año, los villancicos y arrullos navideños inundan el aire en un ambiente festivo que celebra una época de amor y paz, para concluir un año con bendiciones y atraer el próximo esperando la suerte que llega con él sea benevolente. Pero entre las canciones que acompañan está festividad hay una especialmente particular que destaca por su significado, llegando a convertirse en una de las canciones de navidad más importante de todos los tiempos. 

La historia: 

En 1969 los Beatles se desintegraron ,dejando a Lennon en camino de su carrera en solitario, el más políticamente  comprometido de la antigua banda inauguró la década de los 70 lanzándose como solista y en las navidades de 1971 alumbró una canción protesta/ villancico repudiando el absurdo y horroroso conflicto bélico entre Estados Unidos y Vietnam. 

 Todo el mundo hablaba de aquella guerra, los medios la repudiaban , la televisión mostraba la crueldad que se derrochaba en ella, y aún así los presidentes de Estados Unidos, uno tras otro la mantuvieron viva por 20 largos años, cobrando la vida de 50000 soldados americanos y muchísimos más vietnamitas.

"War is over if u wan it": Cantaba un coro de niños, tras la voz guía de Lennon que deseaba felices navidades a los cercanos, a los viejos, a los rojos, a los negros, a los amarillos, a los ricos, a los pobres, a los fuertes y a los débiles, en una canción de amor que rogaba a Nixon "war is over if u wan it" en la voz angelical de los infantes. Pero el presidente no se tomó bien el villancico de Lennon y lejos de poner fin a la contienda inició un proceso para espiar y expulsar a Lennon de Estados Unidos, en un vergonzoso trámite migratorio que duró varios años y al final no pudo concretar. Nixon ,se vio obligado a dimitir, América se retiró de Vietnam en 1973, la guerra concluyó formalmente en 1975 y Lennon fue asesinado por un desquiciado en 1980. 

 Sin embargo su canción quedó como un himno, convirtiéndolo en un gigante que con la voz y la

palabra trajo la esperanza en un mensaje de amor y optimismo que conceptualmente servía de continuación a conocidos temas de igualdad social como "Imagine" o "Give peace a Chance". Lennon se creció convirtiendo a Nixxon en una pequeña e insignificante criatura, legándonos el  mejor villancico de la historia, con el que me gustaría felicitarlos a todos y si no lo han hecho nunca les invito a escucharla aquí  y los exhorto a ver un muy interesante video relacionado.

 !Felices Fiestas!, en las palabras de Lennon, "I hope u have fun"

 

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Una notación musical para dominarnos a todos

Una notación musical para dominarnos a todos

Posted by Snow1801 on noviembre 06, 2021 in Frecuencia, Historia, Mitos, Música, Nazis,

 Legiones de conspiranóicos tejen las mas salvajes teorías sobre hechos de la historia universal, sobre artistas oscuros, sociedades que dominan el mundo e incluso reptilianos que viven entre nosotros hace cientos de años, ocupando altos cargos en los gobiernos mundiales. Hittler, en su horroroso reinado del terror, sentó el caldo de cultivo perfecto para este tipo de paranoias, algunas ciertas, debido a la naturaleza diabólica y enajenada de sus prácticas, sin embargo, otras son totalmente falsas, como  la notación musical nazi, que cambió deliberadamente la frecuencia de una nota musical para hacernos más susceptibles al control mental. 

  Un poco de contexto: 

La nota musical " La " se había afinado habitualmente a 432 herzios a lo largo de toda la historia, sin

embargo durante la Alemania nazi se cambió a 440, impulsando intencionalmente este cambio, que años después sería adoptado por toda la comunidad internacional gracias a una norma ISO del año 1953. 

 La teoría conspiratoria nace de la creencia que hubo una conspiración  (post) nazi para influir en esa decisión, eliminando así la afinación a 432 herzios, atribuida a "la frecuencia de la naturaleza". Se creía que los planetas, los seres vivos, todo el universo, vibraba a 432 herzios, y escuchar música en esa frecuencia era beneficioso para los seres humanos, por lo que, al los nazis modificar la frecuencia nos impedían estar conectados con la naturaleza y nos hacían más susceptibles al control mental. 

 Aunque es cierto que grandes de la música como Mozart y Verdi, o más recientemente Pink Floyd y Led Zeppelin afinaron la nota "La" a 432 herzios y que en la web se pueden hallar cientos de canciones alteradas por los usuarios para ser escuchadas a esta misma frecuencia, todo esto es un mito y nace de la desinformación pura. 

 

 La realidad : 

 El cambio a 440 herzios fue propuesto en 1939 por el British Standard Institute y debido al largo y complejo proceso que ha requerido la aceptación de "La"  a una frecuencia de 440 herzios y los mitos surgidos alrededor de este, muchos científicos han hecho su misión refutar toda la mistificación al respecto. Tal es el ejemplo del profesor Nacho Rodríguez, quien en su ensayo " Los nazis, el 440, la mistificación del 432 y otras hierbas" señala certeramente: 

 " ..Nuestra medida de frecuencias en Herzios es totalmente arbitraria, no es más que un número que asignamos a priori. Podríamos medir la velocidad de oscilación como vibraciones por minuto, en vez de por segundo, o por cualquier otra unidad que pudiéramos imaginar, y obtener números diferentes para una misma medida. Nuestro cuerpo, o cualquiera de sus partes o moléculas no están en lo absoluto interesadas en cuál es el número que asignamos a un parámetro o la belleza de este, con lo cual, en todo caso tampoco sería importante la cifra aunque no hubiera sido falsa la afirmación. Pero además lo es."

 También han sido provistos como evidencia los gráficos que muestran la bella vibración del agua a 432 herzios, y como contrapartida a 440, pero de acuerdo al profesor tampoco son muestra fehaciente de la validez de la absurda teoría  puesto que " Resulta que el patrón de vibración inducido por una frecuencia sonora en una gota o un recipiente de agua varía según la temperatura, la cantidad y sobre todo, la pureza de esta agua."

  

   La afinación a 440hz se estableció finalmente para dar menos problemas a la hora de dividir las octavas y los tonos de forma exacta y porque el sonido que se consigue es más brillante orquestalmente hablando y aunque millones de personas se empeñen en lo contrario, no existe un plan post nazi para dominarnos mentalmente a través de la música. 

 Las vibraciones o ritmos musicales lejos de confundir nuestra mente o hacernos susceptibles a cualquier forma de manipulación están para curar, calmar y hacer nuestra vida más placentera. !Que sería de nosotros sin música!. Ya sea a 432 o 440 HZ la música es parte indisoluble de la vida, si hasta las maniobras de recuperación cardíaca (RCP), dictan para mantener el ritmo de las 100 compresiones al minuto que se ejecute al ritmo del inigualable "Staying Alive" de los Bee Gees, que se traduce en 103 pulsaciones al minuto, el ritmo perfecto para mantenernos vivos.😉 

 

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La mujer que estuvo antes de Elvis

La mujer que estuvo antes de Elvis

Posted by Snow1801 on noviembre 01, 2021 in Historia, Mujeres, MujeresPoderosas, Música, Rock,

 Murió en el año 2004, en Memphis, cuando tenía 81 años. Su nombre está escrito en letras pequeñas en la historia del Rock and Roll, ignorada y silenciada por su condición de mujer, pero su figura e influencia en la historia de la música es gigantesca y aunque muchos artistas ni siquiera lo sepan llevan su poder bien  arraigado en sus acordes. 

 Cordell Jackson fue la primera mujer en producir, distribuir y hacerse cargo de la ingeniaría de su producción musical, también fue la primera en crear una discográfica de rock and roll: Moon Récords.  Era un talentosa guitarrista  y ya tocaba rock and roll cuando "The King", Elvis Presley era aún un bebé.

 Nació en Pototoc, Mississippi el 15 de julio de 1923, su padre formaba parte de una banda de cuerdas y desde pequeña aprendió a tocar guitarra, piano y bajo. A los 13 ya componía y tocaba sus propios temas en un estilo de country rápido que comenzó a revolucionar el género, horrorizado a sus vecinos sureños. Este estilo más tarde sería bautizado como el Rock and Roll y desde 1936, emergía de la guitarra de Cordell, cabe notar que en 1936 Elvis tenía solamente 1 año de edad. 

 Motivada por la creciente escena del Rock en Memphis, y por su amor incondicional a la música, quiso dedicarse enteramente a ella, encontrando a su paso los muchos inconvenientes que se atravesaban en el camino de cualquier mujer pionera durante los años 40, 50 y 60.

 En 1956, cansada de pasar años grabando demos en el Sam Philip´s Memphis Recording Service y el

Sun Records Studio, donde se le concedía un papel irrelevante, pasando por alto todo su trabajo y contribuciones, Cordell creó Moon Récords, para poder editar sus propias composiciones. Al principio trabaja en solamente en su propia música y luego comenzó a editar y realizar temas de otros artistas de rockabilly, rock and roll y country rock de los estados sureños. El paso de los años y los cambios en la escena musical no mellaron el prestigio de Moon Récords, que aunque se posicionaba como una discográfica poco famosa y alternativa, gozaba de gran reconocimiento entre los músicos de country, rock and roll y rockabilly del sur norteamericano.

 En los años 80 varios artistas ayudaron a revitalizar la carrera de Jackson versionando algunos de sus temas, como "Dateless Night", una canción compuesta por ella para la artista Florida Allen Page, con este nuevo impulso en su carrera la artista realizó varios conciertos  como solista en clubs de Memphis, Hoboken, Nueva York y Chicago. Además grabó nuevas canciones junto a músicos como Colonel Robert Morris y Bob Holden, pasando a ser conocida en todo Estados Unidos como la "abuela del rock and roll", incluso participó en un conocido spot publicitario de la cerveza Budweiser en 1991.

 

Cordell Jackson no solo fue la primera mujer en crear su propio sello discográfico, editar y producir su música y la de otros artistas, fue mucho más que eso, fue la pionera principal del rockabilly y el rock and roll, una de las primeras artistas de protopunk y la inspiración para la creación de este estilo. Su figura fue una de las bases fundamentales sobre las que se fundó el Rock and Roll, sin embargo no era hombre, no cantaba, su físico no era deslumbrante, no era de la gran ciudad y no era joven; por lo que el éxito y el reconocimiento merecido le fueron negados  y su nombre y rol como la "abuela del rock" siguen enterrados profundamente en las páginas de la historia de género. 

 Otra gran mujer, pisoteada por su género a pesar de su talento, pero que sin importar las barreras demostró al mundo que cuando las convicciones son firmes la pasión por lo que se ama nunca deja de arder, sin importar la edad o los obstáculos. Cordell Jackson reescribe la historia de uno de los géneros musicales más grandes, su historia, sus logros y la música que no legó demandan urgentemente una revisión de esta injusticia que ocultado su nombre por demasiado tiempo. 

 Su talento y genialidad realmente no dejan lugar a dudas, aquí pueden escucharla y verla tocar. 

 

 

 .

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Robert Johnson, la guitarra que afinó el diablo y el club de los 27

Robert Johnson, la guitarra que afinó el diablo y el club de los 27

Posted by Snow1801 on octubre 02, 2021 in Blues, Historia, Música, Rock,

  Imposible finalizar esta trilogía, de acordes y músicos tocados por el demonio, sin mencionar al abuelo del rock, fundador del misterioso club de los 27, donde han ido a pertenecer tristemente tantos y tantas grandes de nuestra música a lo largo de la historia. 

 Robert Johnson, en la palabras de Martin Scorsese, sólo existió en sus discos, fue pura leyenda". Ciertamente su vida, que tanto marcó la historia de la música e influyó en las generaciones posteriores estuvo completamente rodeada de misterio y leyendas, que perduran aún en su muerte, pues existen tres lápidas donde se afirma descansan sus restos y sin embargo ninguna parece ser la legítima, sepultura del más grande bluesman de la historia.

   Muchos son los biógrafos y musicólogos que han trabajado durante años para desenterrar datos que arrojen algo de luz a la sombra que le rodea.  Se desconoce a ciencia cierta su fecha de nacimiento, según la memoria de su hermanastra Carrie, quien creía recordar que su madre lo había mencionado, Robert nació el 8 de mayo de 1911 en Hazlehurst, Mississippi, pero no existe registro alguno de ello. Dicen que de niño odiaba la escuela y el trabajo en las plantaciones de algodón y que se escabullía cada vez que podía a tocar la guitarra. 

  El músico Son House se mudó a la ciudad donde vivía Johnson y recordaba que era particularmente malo con la guitarra, que siempre andaba corriendo detrás de dos grandes músicos que allí residían y gozaban de gran fama, Willie Brow  y Charlie Patton , subiéndose al escenario durante los recesos de las actuaciones para rasgar desafinados acordes que ponían al público de mal humor, y convirtiéndose en el centro de las burlas y los abucheos de los músicos pasados de tragos. También narra Son que un día, súbitamente Robert desapareció sin dejar rastro, y regresó unos meses después completamente cambiado, convertido en un maestro del blues. Investigaciones posteriores revelaron que Son realmente no tardó unos meses en volver a ver a Johnson sino casi dos años.

 Aun así cabe recordar que estamos hablando de un hombre adulto, que aprendió a tocar, cantar y

componer en muy poco tiempo, y no meramente tocar, estamos hablando del mejor bluesman de la historia, del compositor de Crossroad Blues y Love in Vain, de un hombre que solo dejó dos sesiones de grabación,29 canciones, dos fotos( que ilustran este artículo) y aún hoy es considerado uno de los mejores guitarristas de la historia, hablamos del abuelo del rock and roll y del músico que manejaba una técnica que nunca se había escuchado antes, dominando melodías simultáneas, marcando la base con sonidos graves mientras el slide chillaba, revolucionando el blues como nadie.

 La historia de Robert se propagó como la pólvora, impulsada más aún por la leyenda de la que él mismo habló varias veces, narrando como se arrodilló una noche, en un cruce de caminos y rogó al diablo que tomara su alma a cambio de convertirlo en el más grande guitarrista de blues de todos los tiempos, el demonio accedió, afinando su guitarra gustosamente y allí comenzó su historia.

 El 16 de agosto de 1938 en un cruce de caminos cerca de Greenwood( Misisipi) murió el gran Robert Johnson, algunos dicen que fue envenenado por cuestiones de  faldas y  venganzas de hombres celosos, otros que murió de neumonía, de sífilis o incluso de un disparo, su certificado de defunción lo único que revela es que falleció el 16 de agosto de 1938, en  Greenwood y que no hubo autopsia. Así como su vida y su muerte también es un misterio su lugar de entierro. Existen tres lápidas con su nombre en tres localizaciones diferentes en Greenwood, pero realmente ninguna parece real, a pesar de que Sony Music(dueña y señora de los derechos sobre su música) se empeñe en  reparar la que se encuentra en el cementerio Little Zion. Su lugar de descanso es realmente desconocido, tal vez se hizo real la petición que hizo en su canción canción "Me and the Devil´s Blues", cuando dijo: " enterrad mi cuerpo junto a la carretera, para que mi viejo y malvado espíritu pueda subirse a un autobús de la Greyhound y viajar".

 En el momento de su muerte Robert Johnson tenía 27 años, siendo el primero  de lo que décadas más tarde se llamaría el "Club de los 27", tras la muerte de Brian Jones, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison y décadas después Kurt Cobain y Amy Winehouse que siguieron la misma estela de vidas talentosas y atormentadas con finales fatídicos envueltos en el misterio, dejando tras de sí inigualables legados musicales que han enriquecido la música incalculablemente, y haciendo de su ausencia un vacío imposible de llenar.

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La verdadera historia del violinista del diablo

La verdadera historia del violinista del diablo

Posted by Snow1801 on octubre 01, 2021 in Historia, Música, Violín,

  Cuentan que aquellos que tuvieron el privilegio de asistir a sus conciertos, nunca vieron espectáculo

igual, dicen que contorsionaba su cuerpo de formas increíbles, sin dejar de tocar ni un segundo, arrancando sonidos al moribundo instrumento que conservaba solo una cuerda, y al final del espectáculo quedaba solo un público jadeante, extasiado y rendido ante la grandeza y el talento puro que se alzaba en su figura esbelta. 

 A pesar de que la descripción anterior bien puede adecuarse a muchos músicos de nuestra historia y lo primero que salta a la mente cuando se describen peripecias en escena y extravagancias asombrosas son artistas como Mike Jagger, Jimy Hendrix o bandas que inundaban las tablas con su energía única como Nirvana, pero no hablamos de ningún ícono del rock si no de un violinista, tal vez el mejor violinista de todos los tiempos, Niccoló Paganini.

 Rodeado de misterios y leyendas su  mito comenzó a forjarse desde que tenía apenas cinco años, fue entonces que su madre aseguró frenéticamente que el demonio se le había aparecido en sueños y le había susurrado que su hijo Niccoló sería un violinista extremadamente famoso. A raíz del sueño profético de la madre el padre de Paganini le forzó a estudiar música por 10 horas cada día.

 El estudio sistemático junto al talento innato del infante comenzaron a dar frutos rápidamente, a los 6 años dio su primer concierto, a los 9 emprendió su primera gira y a los 16 ya era conocido en todo el mundo por su talento nunca antes visto, su fama se elevó y a la par su fortuna, que derrochaba en fiestas exuberantes y juegos de azar.

 Su genio musical era impresionante, no solo por crear más de 200 composiciones musicales sino por lo peculiar de su técnica para tocar y las notas que podía arrancarle al violín. Paganini, alto y desgarbado  poseía una flexibilidad impresionante, que le permitía realizar movimientos que resultaban impactantes e imposibles para cualquier otro mortal, como cruzar los codos uno por encima de otro mientras tocaba  o flexionar lateralmente las articulaciones de los dedos, consiguiendo así llegar a notas inalcanzables para el resto de los hombres. Uno de sus trucos más impresionantes era retirar tres de las cuatro cuerdas del violín y con esa única cuerda hacerlo emitir el sonido de varios violines juntos. 

  El genio italiano era capaz de tocar doce notas por segundo, cabe notar que ese es el tiempo que la mayoría de los músicos tardan en leer doce notas, también revolucionó las técnicas de memorización, antes de él todos los violinistas subían al escenario acompañados de su programa, mientras que el genio, llegaba solo con su violín, ondeando su larga cabellera, con el programa completamente en su mente.

 Con su genialidad musical y su gran fortuna vino una vida de excesos y a su alrededor comenzaron a

tejerse las más descabelladas teorías, que aseguraban que había vendido su alma al diablo a cambio de la perfección musical, incluso su apariencia comenzó a tildarse de cadavérica y algunos seres impresionables temían asistir a sus conciertos. Paganini medía 1.65 de alto, era extremadamente delgado, su rostro era pálido con rasgos muy marcados, ojos oscuros, penetrantes y nariz afilada. Pero ni su extraordinaria habilidad ni su apariencia lúgubre tenían asociación alguna con ninguna fuerza demoníaca, Niccoló pasó toda su vida luchando con una enfermedad severa que le exigía una alimentación rigurosa y muchas horas de sueño, se piensa que padecía el "Síndrome de Marfan" o el de "Ehlers-Danlos", ambos descritos a finales del siglo XIX y caracterizados laxitud y fragilidad de la piel, junto a hipermovilidad articular. Se sabe que su flexibilidad extraordinaria le permitía mover y torcer su muñeca en todas las direcciones, sus manos medían cuarenta y cinco centímetros y sus dedos era muy largos, lo que lógicamente contribuyó a su capacidad musical. 

   En 1833 Paganini escribió una carta a un amigo, explicándole que sufría una enfermedad en los pulmones, además de tos persistente y fiebre de larga evolución, afecciones que se piensan pudieron ser originadas por una tuberculosis padecida previamente y que en su progresión afectó a la laringe, explicando así la pérdida de la voz y la afonía que acompañó al artista los dos últimos años de su vida. 

 

En 1840, el violinista del diablo, como lo apodaron en la época; cayó extremadamente enfermo y días antes de su muerte recibió la visita del Obispo de Niza, pero Paganini se rehusó a recibirlo insistiendo en que no estaba agonizante y aún le quedaba mucho tiempo más de vida, pero se equivocaba y murió poco después sin haber recibido los sacramentos finales. Debido a esto y a los rumores que demonizaban su figura , la iglesia se rehusó a concederle un entierro en campo santo, condenando sus restos mortales a vagar por cuatro locaciones diferentes hasta que cinco años luego de su muerte el Papa Pio Nono le concedió permiso a su hijo para enterrar al mejor violinista de todos los tiempos en la Iglesia de un pueblo cercano a Vila Gaiona en Italia.  

 Niccoló Paganini es otro ejemplo de talento y genialidad sin límites, su influencia y aportes a la historia musical son incalculables y por su genio y habilidades asombrosas fue demonizado por los hombres de su época, que trataban de justificar lo que no alcanzaban a entender, convirtiéndolo en el violinista del diablo, cuando su música, en mi humilde opinión es el sinónimo puro de creación.  Puedes escuchar una muestra de su genio musical aquí  . 

  

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