Nomade Mind: Arte

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sábado, 25 de septiembre de 2021

Nadie escapa de sí mismo

La palabra karma provine del sánscrito y encarna a una fuerza mística invisible, inmensurable y trascendente que se va conformando, con cada acción que realizamos en nuestra vida, dando origen a una cadena de consecuencias derivadas de dichas acciones. El karma es , físicamente acción y en términos metafísicos se traduce como la ley de causa y efecto a la que todo ser humano responde, recogiendo las consecuencias de sus propias acciones.

El karma es una creencia central en varias doctrinas como el hinduismo, el budismo, el ayyavazhi y el espiritismo, que a pesar de presentar diferencias en su forma de definirlo tienen todas una base común, que comprende no solo las acciones físicas sino que se deriva de cada acto que provoca una reacción, ya sean palabras actos, o incluso pensamientos. El karma es un concepto que posee una dimensión existencial además de una moral, como una persona que no sabe nadar y con sus movimientos bruscos y desesperados acelera su muerte, según el concepto de karma quien desconoce que sus acciones han causado sus circunstancias actuales solo exacerba los efectos nocivos a los que se enfrenta.

Existe en el Museo de Arte de New Orleans una escultura, obra del artista Do Ho Suh, que ilustra a la perfección el significado de este concepto y su nombre es precisamente " Karma", (cual si no ). La estructura se alza hasta una abrumadora altura, que juega nuestra percepción, dándonos la ilusión de que alcanza el cielo, desafiando las mismísima ley de la gravedad.

La conforman noventa y ocho esculturas de acero inoxidable, cada una colocada sobre los hombros de la anterior y tapándose mutuamente los ojos en un ejercicio de equilibrio que representa la conexión kármica, conformando una elegante espina dorsal en la que cada pieza se curva para dar paso a la siguiente con milimétrica precisión.

El acero inoxidable, usado por el artista en la obra, le concede la luminosidad del propio concepto ancestral que ilustra, irradiando su alrededor con los rayos solares que destella mientras asciende infinitamente hasta alcanzar el cielo con cada pieza cuidadosamente concatenada a la anterior.

sábado, 18 de septiembre de 2021

En la juventud aprendemos, en la vejez entendemos..

Posted by Snow1801 on septiembre 18, 2021 in Arte, Historia, Tiempo, Vejez,

Envejecer es parte indetenible de nuestro paso por la vida, con la vejez muchas veces se agranda nuestro entendimiento del arte de existir y la experiencia que anida en nuestra mente comienza a reflejarse en nuestra piel, agrietando nuestras manos y emblanqueciendo muertos cabellos.

El deterioro físico que trae consigo la vejez y su cercanía a la muerte siempre han preocupado al hombre, que ha buscado en la alquimia, la brujería, el cielo, el infierno e incluso la mordida de los vampiros la respuesta para detener al tiempo y evitar el irrevocable destino que tarde o temprano nos alcanza a todos por igual.

En 1746 el artista italiano Pompeo Batoni señaló el fin del barroco y anticipó la moderación del neoclasismo, al concebir su obra "El tiempo ordena a la vejez que destruya a la Belleza". El óleo muestra al Tiempo como un anciano, y a la vejez como una mujer decrépita, que acata sus órdenes precisas. Mientras él, con un reloj de arena en las manos la comanda a destruir sin piedad a la belleza, representada por una joven de piel nacarada.

La escena refleja la crueldad real del tiempo, y a la vez evidencia el magistral dominio del pincel que poseía Batoni, quien con su técnica maneja excepcionalmente las representaciones de la belleza y la vejez, otorgando una piel tersa y vivaz a una y una faz marchita a la otra.

La vejez y la muerte son destinos de los que, por mucho que la humanidad lo haya intentado, nunca escaparemos, y envejecer es un privilegio que destruye la apariencia joven, pero trae consigo la experiencia y la apreciación de pequeños momentos, que la juventud en su fuego ignora. La naturaleza es sabia , la vejez es el ocaso de nuestra vida, sin dejar de ser una etapa mágica con sus propias revelaciones.

martes, 14 de septiembre de 2021

"Los poetas abandonan el Infierno y contemplan de nuevo las estrellas."

Posted by Snow1801 on septiembre 14, 2021 in Arte, Dante, DivinaComedia, Historia,

Con anterioridad he abordado temas referentes al inigualable Dante Alighieri, su genialidad y talento desbordantes en sus obras. Hoy precisamente a 700 años de su fallecimiento me parece apropiado rendir tributo a su vida, que legó al mundo tesoros literarios sin comparación, como su " Divina Comedia", una de las obras fundamentales de la transición del pensamiento medieval al renacentista y una de las más destacadas en la historia de la literatura.

Dante nació una familia noble y aunque la fecha exacta de su nacimiento no es conocida se estima fue el 29 de mayo de 1265, en la magnífica ciudad italiana de Florencia, cuna de tantos grandes del arte universal. Su verdadero nombre era Durante di Alighiero degli Alighieri. Como era acostumbrado en su época, a temprana edad se comprometió y con 12 años se casó cumpliendo con un matrimonio pactado por su familia. Su esposa se llamó Gemma y de esta unión nacieron cuatro hijos, sin embargo es bien conocido que el corazón de Dante sufría por el amor de Beatriz Portinari, de quien se enamoró, sin intercambiar palabra alguna, al conocerla a los 9 años, esta hermosa mujer y este fatídico amor fueron la inspiración que llevaron a Dante a escribir sus grandes obras.

Su primera obra se llamó "Vita Nuova" ( Vida Nueva), escrita entre 1292 y 1293, tras la fatídica muerte de su adorada Beatriz, y en ella narra la renovación vital que sintió al enamorarse de su amada, exaltando su figura, describiéndola por encima de las pasiones humanas, perteneciente a la esfera celeste. La "Vita Nuova" se compone de 42 capítulos en los que el autor alterna poesía y prosa. Dante era en extremo talentoso, profesaba gran amor a su oficio y en servicio al mismo durante un tiempo se dedicó a vender sus propios libros en locales que utilizados como Boticas.

No es misterio que el genio italiano sentía gran admiración por el escritor Virgilio, tanta era su devoción por el poeta romano que lo convirtió en un personaje esencial en su obra "La Divina Comedia", otorgándole el rol de guía y acompañante del protagonista en su recorrido por el infierno.

A pesar de proceder de una familia noble el escritor jamás escondió o maquilló sus ideas políticas, defendía abierta y valientemente la separación de la Iglesia y el Estado, y abogaba por la necesidad de que existiera un Sacro Imperio Romano. Dante ataca persistentemente a la Iglesia Romana, en la propia "Divina Comedia" abundan los ataques directos a una serie de Papas, a quienes culpa de la decadencia de la institución eclesiástica y la crisis de la concepción política medieval.

A raíz de sus implicaciones y posturas políticas, es acusado de corrupción, malversación de fondos, fraude, malicia, prácticas desleales, pederastia, y de haber obstaculizado la voluntad del Papa Bonifacio VIII, su condena inicialmente era dos años de exilio, con exclusión de cargos públicos y el pago de una multa, pero luego cambia por el exilio perpetuo bajo pena de muerte en caso de que se atreviese a pisar su tierra nuevamente. Dante enferma gravemente de malaria y muere un 14 de septiembre de 1321, nunca más pisó Florencia, pero lejos de ella escribió su " Divina Comedia", llena de simbolismos, enseñanzas morales y pequeñas "venganzas" contra aquellos que le forzaron a dejar su tierra.

domingo, 12 de septiembre de 2021

El rostro del Satanás

Posted by Snow1801 on septiembre 12, 2021 in Arte, Historia, Satanás,

Reconocido amo y señor del reino infernal a dónde son enviados los pecadores al morir para pagar por su vida pecaminosa. Padre de las mentiras y de todo el mal que azota la tierra, su nombre aparece por primera vez en el "Libro de los números", en la Biblia usado como término para describir al desafío, en el "Libro de Job" es identificado como un ángel acusador y en el "Libro apócrifo" de Enoc es miembro de un grupo de ángeles caídos llamados "Los vigilantes", hasta que finalmente se representa como la Némesis de Jesucristo en el "Nuevo Testamento" y como mal supremo en el "Apocalipsis" de la Biblia.

La figura de Satanás ha sido bastamente representada en el arte, cautivando e influenciando a artistas de todas las vertientes desde los albores de la humanidad. Artistas que ahondaron en oscuros rincones del alma para representar la parte propia del ser humano a la que denominamos "satán", que afirmaron ser fervientemente piadosos representando temáticas oscuras o satánicas desde su postura religiosa o que desafiaron a la religión misma desde su ateísmo consolidado a través de sus obras.

William Hogarth (1697-1764)

Hogarth fue un talentoso grabador y pintor asociado con Sir Francis Dashwood. Es el autor de cuadros perturbadoramente diabólicos comprendidos en la serie que denominó "The Rake's Progress", en los que además de representar escenarios infernales expone un dominio magnífico de luces, sombras y técnicas pictóricas excepcionales.

Henry Fusili ( 1741- 1825)

En sus paisajes oníricos observamos un reflejo de sus fuentes de inspiración demoníacas. Impresionado con "El Paraíso perdido" de Milton creó una galería en su honor a la que destinó sus obras sobre estos diabólicos temas plagados de pesadillas eróticas, posesiones demoníacas y abominables brujas.

William Blake ( 1757- 1827)

Poca introducción necesita el escritor, ilustrador y pintor inglés, quien en su propio libro "Las bodas del cielo y el infierno" representó a Satanás con aspecto de Mesías.

Gustav Doré ( 1832-1883)

Fue el responsable de ilustrar el "Paraíso perdido" de Milton y "La divina comedia de Dante" y es identificado como quien otorgó rostro a los habitantes del infierno.

Felician Rops ( 1833-1898)

Pintor simbolista que en su obsesión con las femme fatale, las describió como cómplices inseparables del diablo, convirtiendo al hombre en una simple e indefensa marioneta a su merced. Fue parte del Movimiento Decadent que colocó imágenes satánicas en pinturas debido a la influencia de escritores como Boudelaire y Poe.

miércoles, 1 de septiembre de 2021

El absurdo de la ignorancia

Posted by Snow1801 on septiembre 01, 2021 in Arte, Censura, Historia,

El camino de los grandes artistas y sus obras además de belleza y misterio, está plagado también de incomprensibles y totalmente absurdas censuras de las que no se escapan ni las más antiguas y magistrales creaciones.

"El David de Miguel Ángel"

La hermosa escultura concebida por uno de los más notables artistas de la historia universal, refleja la impecable técnica y el talento desbordante de su autor. Sin embargo, aún en nuestro moderno siglo ha provocado la inexplicable polémica entre algunas personas. En 2012 la televisión china optó por censurar sus genitales y en 2016 una réplica que se exponía en San Petersburgo caldeó los humores de algunos vecinos, quiénes en un arranque de estupidez comenzaron a pedir que se vistiera a la figura.

"La maja desnuda"

La pieza de Francisco de Goya es una de las más censuradas de la historia del arte, pues muestra a

una fémina con los brazos abiertos, la mirada provocante en pose de entrega absoluta y lo que fue aún más escandaloso en su época, por vez primera representaba el vello púbico en un desnudo femenino.

El cuadro era propiedad de Godoy, ministro de Carlos IV, quién la mantenía oculta mediante un intrincado sistema de poleas que la ubicaban detrás de "La maja vestida". Sin embargo la inquisición con su pasó incendiario descubrió la obra e inició un juicio contra Goya, quién afortunadamente se libró de la condena pero su obra no corrió con la misma suerte y permaneció oculta al público hasta la llegada del siglo XX.

"San Mateo y el ángel"

Cuentan que en 1602 se le encargó a Caravaggio la

fabricación de una pintura para la capilla de Contanelli, que reflejara a San Mateo. Una vez terminada, la obra fue rechazada con indignación por la iglesia ya que en ella era artista representaba al evangelista como un hombre mal vestido y burdo sin señal alguna de santidad, guiado para escribir el evangelio por la mano de un ángel ,que para más disgusto del clérigo, aparecía apoyado sobre la Tierra.

Una segunda oportunidad fue otorgada al pintor para que rehiciera su obra, presentando al final una segunda versión que satisfizo las exigencias de la iglesia y aún se conserva, tristemente la primera versión fue destruida durante los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial en Berlín.

Ni siquiera el arte, en sus representaciones puras del ser, derrochantes de talento y belleza absoluta se escabulle de la estupidez y la ignorancia, que como un parásito se aferra de muchos seres humanos tanto unos 100 años atrás como nuestros propios días.

martes, 31 de agosto de 2021

De Jesus a Judas

Posted by Snow1801 on agosto 31, 2021 in Arte, Da Vinci, Historia, Leyendas,

En incontables ocasiones y disímiles medios se ha hecho, a lo largo de la historia, la mención casi obligada a la figura y la genialidad inmensa del gran Leonardo Da Vinci. Sus obras son ampliamente conocidas, así como sus investigaciones y trabajos innovadores.

La Mona Lisa con su belleza embrujante y su mirada inequívoca encierra sin duda más de un misterio que abre la puerta a la especulación sobre los amores o desamores de su autor con la modelo de la trascendental obra, pero es otro de sus trabajos el que posee la curiosa leyenda que se narra hoy.

"La Última Cena"

Para esta creación Da Vinci utilizó una metodología diferente a la empleada en la época, pintando su mural con temple y óleo sobre dos capas de yeso, método desastroso que condujo al rápido deterioro de la obra y que causó que sea la peor conservada de todas y debido a varias restauraciones diste un poco de lo que fue originalmente.

El fresco representa el momento exacto en el que Jesús anuncia la traición venidera por parte de uno de sus Apóstoles y en ella Da Vinci plasmó, magistralmente, las expresiones de duda, incredulidad e incluso miedo de cada uno de los involucrados.

Cuentan que 3 años pasó el artista en busca de los sujetos perfectos para personificar a los selectos comensales. Pues según el genio italiano los gestos del ser humano son tan variados como los estados de ánimo del alma misma.

Así fue que el primer modelo que halló fue quien representaría a Jesús, un joven de rostro luminoso y apacible que transmitía gran fuerza espiritual. Mientras que Judas fue el último y para hallarlo tuvo que adentrarse; bajo las presiones impacientes del Conde Ludovico Sforza, mecenas de la obra; en una de las cárceles más peligrosas de Milán.

En busca del rostro vil Da Vinci se encontró frente a frente con un asesino condenado a muerte, al que le

extendió la oferta de servir como modelo para Judas. Su rostro marcado por sombras y cicatrices reflejaba la maldad y el odio que reinaban su alma, y resultó ser el modelo ideal para el artista.

El reo aceptó la propuesta y la ejecución fue aplazada. Cuentan que al terminar las sesiones el sombrío sujeto rompió en llanto y entre gemidos le dijo a Da Vinci:

-Leonardo,¿no me reconoces?, yo soy el mismo en quien hace años te basaste para pintar a Jesucristo.-

La incertidumbre se cierne alrededor de esta leyenda ,que permanece sin corroborar. Lo cierto es que Da Vinci maravilló al mundo con el reflejo de emociones que logró en cada uno de los sacros personajes y aunque la técnica que empleó propició que el fresco se cayera pedazos con el paso del tiempo, sin duda esta es una de las obras más trascendentales de la historia del arte y aún sigue asombrando a generaciones enteras.

lunes, 30 de agosto de 2021

El fantasma de Ofelia

Posted by Snow1801 on agosto 30, 2021 in Arte, Fantasmas, Historia, Muerte, Mujer, MujeresPoderosas, Pintura,

Protagonista de una trágica historia vital, pintora y escritora, a la que se le negó un merecido lugar en el panteón prerrafaelita, popularizando su figura meramente por ser la musa y modelo de grandes artistas masculinos de su época.

Luego de una extensa enfermedad, que aliada con una devastadora adicción al láudano tomaron poco a poco su salud fallece Elizabeth Siddal, en 1862, exactamente un año después de haber dado a luz a una pequeña, que nació muerta, hiriendo fatalmente el corazón de su madre.

Beata Beatrix 1870

Cuentan que tal era su dolor tras la pérdida de su hija que en varias ocasiones fue descubierta acunando tiernamente el fantasma de la pequeña en sus brazos. Su esposo, Dante Gabriel Rossetti, pintor y poeta la envió a su morada final junto al único manuscrito de sus poemas y en homenaje la inmortalizó retratándola como Beata Beatrix.

La joven Siddal fue descubierta trabajando en una sombrerería, su larga melena roja y sus grandes ojos vivaces capturaron la atención del artista Walter Deverell, que la convirtió en modelo para un destacado grupo de pintores ingleses, entre los que estaban Hunt, Millais y el propio Rossetti, quien luego la haría su esposa.

Elizabeth fue la musa prerrafaelita por excelencia, rol que eclipsó su propia genialidad como pintora y escritora. Como sus colegas masculinos, pintaba temas medievales y sus poemas, que cantaban a la inconsistencia y el fracaso del amor, fueron publicados únicamente mucho tiempo luego de su muerte, pues años después de su fallecimiento su esposo lamentó haber enterrado su obra y decidió llevar a la luz los poemas que condenó junto a ella a la oscuridad del sepulcro.

Cuenta la leyenda que cuando la desenterraron yacía Elizabeth más hermosa que nunca y que su cabello había crecido tanto que llenaba todo el ataúd. Dicen que desde ese momento el bello fantasma comenzó a visitar a Rossetti, enojado por la profanación al sepulcro.

Elizabeth es popularmente recordada por la famosa pintura de Millais en la que representa a Ofelia, el

Ofelia 1852

afamado personaje shakesperiano al que iguala en esa mezcla de locura y belleza trágica. Para esta pintura posó en invierno en una bañera durante largas horas. En un intento fallido por calentar el agua se colocaron lámparas debajo de esta pero luego un tiempo se quemaron y Elizabeth se fue congelando casi al punto de la hipotermia. Tal vez es esto lo que le concedió la pintura el realismo que refleja tan sorprendentemente la aleación de la muerte y la belleza. A raíz de la prolongada exposición al frío Siddal enferma de la afección que luego le causaría la muerte.

En vida fue musa y modelo y en la muerte se convirtió en un fantasma gélido que embrujaba no sólo Rossetti, sino a una sociedad completa que hizo invisibles a todas las artistas de su época borrándolas de la historia y condenándolas a vagar en las penumbras del desconocimiento.

miércoles, 30 de junio de 2021

La desilusión

Posted by Snow1801 on junio 30, 2021 in Arte, Escultura, Historia,

Las ciudades italianas están llenas de tesoros artísticos de valor incalculable para la historia de la humanidad, escondidos entre sus muros o a la intemperie en sus bellas plazas. Ejemplo del arte magistral que floreció en toda la ciudad y la engalana como parte inseparable de su personalidad y alma se halla en la ciudad italiana de Nápoles, específicamente en la Capilla Sansevero y es la asombrosa creación de Francesco Queirolo. Derroche de talento, esculpido de un mismo bloque de mármol, que otorgó la vida con técnica magistral a una obra increíblemente hermosa y detallista.

Un hombre deshace una red que se enrosca en su cuerpo, manteniéndolo prisionero, a sus pies un genio alado con una llama en la frente le guía en su afán de liberarse, señalándole un globo terráqueo que yace junto a las páginas abiertas de una Biblia, en las que se pueden leer el pasaje en que Jesús otorga al ciego la visión.

La obra representa la liberación humana del pecado, el hombre

peleando por escapar de la intrincada red que lo aprisiona valiéndose de su intelecto, representado por el infante alado que le señala el camino a seguir, la alusión a la Biblia indica como el hombre es llevado de la oscuridad hacia la luz, como un ciego a quien se le otorga el don de la vista para iluminar su universo sombrío.

"La desilusión" tardó siete años en estar completamente terminada y exhibe un innegable dominio de la técnica de su autor, quien llevó la escultura a niveles que aún hoy dejan boquiabiertos a muchos de quienes presencian su grandeza.

La obra es la demostración definitiva de la habilidad con el cincel, el artista pasó años puliendo con extremo cuidado el mármol con piedra pómez, temeroso de que en cualquier momento la red pudiera deshacerse en pedazos en sus manos.

Ciertamente es una escultura que exhibe un desquiciante nivel de detalle, llena de virtuosismo y amor de su autor y creador, quien dedicó siete años a ilustrar la desilusión de los seres humanos al escapar de la red de los placeres mundanos, percatándose de que son un mero engaño.

lunes, 21 de junio de 2021

Lo que desconoces sobre el padre de la Gioconda:

Posted by Snow1801 on junio 21, 2021 in Arte, Cultura, Historia,

A pesar de la fama absoluta de la que goza el gran Leonardo Da Vinci, cuyo nombre es tan conocido como el de Dios o Cher, el misterio aún rodea su figura y aunque han transcurrido más de 500 años desde su muerte el genio renacentista continua siendo un misterio para el mundo. Mucho se maneja sobre su obra y vida, sin embargo existen algunos datos curiosos de los que se tiene poco conocimiento.

Hijo Ilegítimo:

Da Vinci nació en 1452, en lo que hoy es la región italiana de Toscana. Hijo de Messer Piero Fruosino di Antonio da Vinci y Caterina, quien es identificada como una campesina o más posiblemente una esclava propiedad de Messe Piero , sus padres nunca se casaron y el pequeño Da Vinci se fue a vivir con su padre,quien había desposado a otra mujer, a la edad de 5 años, manteniendo una relación fría y distante con su madre, a lo largo de toda su vida.

Estuvo en la cárcel:

A los 24 años fue acusado y arrestado bajos los cargos de sodomía, junto a varios compañeros, poco tiempo duró su encarcelamiento debido a falta de testigos y evidencias que respaldaran la acusación, sin embargo sus diarios sugieren que dichas imputaciones tuvieron efectos devastadores para él, que tan reservado y celoso era con su privacidad y poco después de retirados los cargos se trasladó desde Florencia hacia Milán.

Trabajos inconclusos:

Conocido por su talento, Da Vinci siempre estaba inmerso en algún proyecto, sin embargo era un pintor notoriamente lento y muchas de sus obras nunca llegaron a terminarse, el problema del genio del renacimiento no era falta de laboriosidad, sino que estaba constantemente iniciando nuevos propósitos, por tanto era común que aceptara todos los trabajos que se le ofrecían, pero consciente de su naturaleza nunca prometía acabarlos.

En la cocina:

También tuvo Leonardo su pasión por la cocina y se vio rodeado en varias ocasiones de cacerolas y sartenes, experimentó en los fogones, creando una modificación en la gastronomía de la época, llamada Nouvelle cuisine, basada en la preparación de platos de pequeñas porciones, mezclando todos los ingredientes; versión que gozó de poca popularidad entre los comensales, que preferían una jugosa pata de cordero antes que la cocina minimalista de Da Vinci. Poco agraciado en sus esfuerzos culinarios y mal visto por ser sospechoso de un envenenamiento masivo de todos sus colegas cocineros en la taberna donde se empleaba, Da Vinci abandonó las cocinas; regresando un tiempo después a regentar un local junto a su fiel amigo Sandro Botticelli. Alrededor de esta fecha el genio ideó las servilletas que añadía a las mesas del local junto a los cubiertos para evitar que los clientes se llevaran la mitad de su cena en las mangas, más la cocina del italiano seguía sin conquistar y la nueva iniciativa también fue un fracaso.

El anatomista:

Existe una razón por la que Da Vinci pintaba tan realistamente el cuerpo humano, y es debido a sus obsesivos estudios de la anatomía de nuestro ser y cuando el conocimiento médico en Europa era rudimentario, ya el robaba y diseccionaba cadáveres para someterlos a exhaustivos estudios, convirtiéndose en uno de los pioneros en el campo de la documentación de la anatomía humana.

Zurdo y disléxico:

Al igual que Einstein y Edison, Leonardo era disléxico y para escribir utilizaba la técnica del espejo de derecha a izquierda,cosa que le favorecía pues hacía sus notas indescifrables y evitaba que alguien pudiese robar sus ideas; tenía una ortografía errática y su hábito de dejar proyectos inconclusos ha sido relacionado con una tendencia del trastorno de atención (TDA).

La última cena:

Para logar esta pintura mural, el artista empleó una nueva técnica que llamó "secco" o "seca" y aunque estéticamente el resultado fue glorioso, no fue duradero, la obra se ejecutó entre 1495 y 1498 y se deterioró casi de inmediato, desprendiéndose de la pared y necesitando varias restauraciones, la primera realizada en 1500; sin embargo es una de las obras de arte más reproducida del mundo y en la actualidad solo puede ser apreciada por unas pocas personas y en intervalos de 15 minutos para evitar agravar el deterioro de la misma.

Luego de una vida de arte e invención, Da Vinci murió, con 67 años, en 1519 y aunque a menudo pensamos en él como un artista de la pintura en realidad solo produjo unas 20 en toda su existencia y parecía sentirse más a gusto en la piel de ingeniero e inventor. Dejó tras de sí 6000 páginas de diarios, llenas de reflexiones personales, listas, garabatos y bromas, en ellas plasmó sus fuentes de inspiración, su anhelo de fama perpetua y las profundas angustias, que en vida, torturaban su adelantada mente.